El mes de febrero de 1942, tres meses después del ataque a Pearl Harbor, Estados Unidos toma una medida sin precedentes dirigida contra su propia población. Una orden dictada por el presidente Roosevelt decreta que unos 120.000 ciudadanos norteamericanos de etnia japonesa sean expulsados de sus hogares y sean encarcelados en una decena de campos de concentración situados en zonas aisladas de los estados de Utah, Wyoming, Arkansas, Arizona, California, Idaho y Colorado. De la noche al día, todos los norteamericanos japoneses se convierten en enemigos. No hay juicios ni condenas. Su único delito es ser japoneses de nacimiento o descendientes de japoneses.

El trabajo «American Concentration Camps» de la fotógrafa Masumi Hayashi nos habla de lo que queda de uno de los capítulos más oscuros de la historia norteamericana. El proyecto está inspirado en el concepto de panóptico, una cárcel ideal cuyo diseño permite a un vigilante observar a todos los reclusos sin que éstos puedan saber si están siendo observados o no. Los collages panorámicos de Hayashi ofrecen al espectador una visión de 360º de los campos, convirtiendo a éste en prisionero y en guardia al mismo tiempo.

Si ayer hablé de Eugène Atget, hoy toca hablar de la principal difusora de su obra, la fotógrafa americana Berenice Abbott. Entre los años 1929 y 1939, Abbott se propuso captar Nueva York de la misma manera que Atget hizo con París. El resultado fue «Changing New York», un trabajo realizado con ayuda del gobierno americano que documentaba los cambios arquitectónicos que se fueron produciendo en esa ciudad durante esos años.

Seis décadas después, el fotógrafo Douglas Levere vuelve sobre los pasos de Abbott para documentar la evolución de una metrópolis conocida por reinventarse constantemente. Con una escrupulosa atención al detalle, Levere calca las composiciones de Abbott. Todas las fotografías están tomadas en los mismos momentos del día, en las mismas épocas del año y con el mismo tipo de cámara. El resultado es «New York Changing», un trabajo que, a diferencia del proyecto del fotógrafo Christopher Rauschenberg sobre el París de Atget, sugiere que lo único constante en Nueva York es el cambio.

Eugène Atget está actualmente reconocido como uno de los mejores fotógrafos de finales del siglo XIX y principios del XX, y es una figura de referencia en el desarrollo de la fotografía contemporánea. Atget consagró treinta años de su vida a la tarea de documentar la ciudad de París y su entorno. Entre 1897 y 1927, trabajó sin descanso en la captura de los rincones más antiguos de la ciudad que estaban a punto de desaparecer.

Cien años más tarde, el americano Christopher Rauschenberg fija su mirada en las calles que Atget fotografió con su cámara de placas en un intento de recapturar el espíritu del viejo París. El resultado es «Paris Changing», un trabajo que demuestra que el París de Atget, afortunadamente, todavía existe.

A lo largo de la historia han sido muchos los fotógrafos que han incorporado textos a sus imágenes con la intención de restringir o ampliar su interpretación. Duane Michals, Jeffrey Wolin y Robert Frank son algunos de ellos.

Con su serie «Reminiscence», el canadiense Brendan George Ko se suma a este grupo de fotógrafos que combinan texto e imagen en su trabajo. A partir de fragmentos extraídos de su diario personal, George Ko rememora momentos y lugares que han marcado su vida.

Hace un tiempo hablé sobre el trabajo realizado por el fotógrafo Richard Barnes sobre las impresionantes «danzas» que ejecutan las colonias de estorninos que llegan a Roma durante el otoño procedentes del norte de Europa para pasar el invierno.

El italiano Paolo Patrizi ha obtenido el tercer premio en la categoría individual de fotografía de naturaleza en la presente edición del certamen World Press Photo gracias a una fotografía que forma parte de una serie que también documenta este curioso fenómeno. A diferencia de Barnes, Patrizi complementa su trabajo con algunas imágenes, como la que acompaña este texto, que reflejan el problema de salubridad que supone la presencia de estas aves en la ciudad.

El pasado jueves hice una visita a la galería Tagomago para ver la exposición «Equilibrios Inestables» del fotógrafo Jordi Gual, al que seguía desde hace tiempo en Flickr.

La obra de Gual gira principalmente alrededor de su propia familia, a la que lleva años fotografiando, siempre con su casa y lugares próximos de la naturaleza como escenario.

Gual es todo un artesano de la fotografía. Fabrica sus propias cámaras y papeles, realiza revelados y positivos en soportes también manuales, y ha desarrollado un método de fotografiar muy personal que da como resultado unos retratos impregnados de un aura misteriosa e inquietante que me recuerdan un poco a los que realizaba la fotógrafa Julia Margaret Cameron a finales del siglo XIX.

En 1967, Gary Hines fue, al igual que muchos otros jóvenes americanos, reclutado contra su voluntad para servir en la guerra de Vietnam. Dos años después, regresa a casa siendo víctima de un trastorno por estrés post-traumático. Acaba quitándose la vida diez años más tarde.

Veinticinco años después de la muerte de su hermano, la fotógrafa Jessica Hines recupera las cartas y las fotografías que éste envió a casa durante su servicio en el ejército. A través de los recuerdos de los viejos amigos de Gary y de sus propios viajes a Vietnam en 2007 y 2008, la fotógrafa vuelve sobre los pasos de su hermano usando sus cartas y sus fotografías como guía.

El resultado de todo este trabajo es «My Brother’s War», un conmovedor homenaje, desarrollado en siete capítulos, que nos habla de la memoria y de la pérdida.

Hace un tiempo hablé sobre la serie de fotografías de piscinas abandonadas del Reino Unido de Gigi Cifali. La serie «No Lifeguard on Duty» del americano J Bennett Fitts trata un tema similar. Fitts viajó a lo largo y ancho de los Estados Unidos en busca de piscinas de motel abandonadas o en desuso. Sus imágenes, al igual que las de Cifali, son un testimonio de una era ya desaparecida.

La serie «Nada» del fotógrafo Aleix Plademunt es una reflexión acerca del uso de las palabras y la invasión de la publicidad que actualmente tiene lugar en todo el mundo. El proyecto conllevó localizar todos estos lugares invadidos por las palabras. Los anuncios se cubrían con una lona blanca con la palabra «nada» escrita en el idioma local de cada lugar. A continuación, la instalación se fotografiaba.

Con la intención de hacer hincapié en el concepto de globalización, el proyecto se llevó a cabo tanto en grandes ciudades como en áreas rurales remotas situadas en 11 países de los 5 continentes (España, Chile, Argentina, México, USA, Japón, China, Rusia, Egipto, Turquía y Grecia).

Garajes, aterrizajes, trenes, vestíbulos, vallas publicitarias, surtidores de gasolina y molinos. Bellas y perfectas en su composición, las imágenes de escenarios industriales, urbanos y empresariales sin gente del fotógrafo Branislav Kropilak cuestionan la manera en la que la tecnología moderna determina nuestras vidas.