Hace un tiempo hablé del libro «El viaje vertical» del fotógrafo Enric Montes, primer título de lo que será una trilogía. Enric se ha puesto en contacto conmigo para informarme de que ya está a la venta el libro «El eco de las cosas», el segundo título de la trilogía. A diferencia de «El viaje vertical», este nuevo trabajo propone una exploración más concreta de la realidad, una salida al exterior en busca de piezas fuera de lugar, rastros de presencias convertidas, a través de una mirada poética, en curiosidades al alcance en nuestro entorno más cercano y cotidiano.
A las 9:53 de la mañana del 18 de julio de 1994 una bomba estalla frente al edificio de la Asociación Mutual Israelita Argentina, ubicado en pleno centro de Buenos Aires. La AMIA era la casa de la comunidad judía de la ciudad. En su edificio tenía lugar toda una red de servicios sociales, culturales y educativos. El balance del atentado dejó un saldo de 85 muertos y más de doscientos heridos de diversa gravedad.
Pasados dieciséis años de ese 18 de julio aún se desconoce quiénes fueron los autores materiales e intelectuales del más grave atentado de la historia argentina.
Como todos sabemos, con el paso del tiempo, las víctimas de tragedias de esta magnitud terminan, salvo para sus familias, convirtiéndose en números y estadísticas, y sus nombres se transforman en el de una causa judicial. Este proceso implacable desdibuja los rostros de las víctimas y deshace hasta la desaparición la historia individual de cada una de ellas.
El proyecto «La Ausencia» del fotógrafo Santiago Porter rescata a las víctimas del olvido al que han sido tan injustamente relegadas y las sitúa en el centro de su reflexión. La serie está compuesta por dípticos, un retrato y un objeto. Un objeto que la víctima llevaba consigo en el momento del atentado, o que le pertenecía, es presentado por un familiar suyo. Según Porter, el retrato del familiar representa el reclamo de justicia y el objeto representa la memoria del desaparecido.
Parece que las camas como motivo artístico resultan muy atractivas para muchos fotógrafos. En sus series «Nocturnes» y «Sleep», la fotógrafa Christine Lebeck registra el paso del tiempo durante sus horas de sueño utilizando una cámara estenopeica. Lebeck abre el obturador en el momento de ir a dormir y lo cierra cuando se despierta la mañana siguiente, comprimiendo de esta manera la experiencia íntima del sueño en una sola imagen.
Cuando más íntima es la expresión, más hondamente conmueve. Pero hoy en día vivimos en una cultura en la que cuanto más gritas mayor atención te prestan, y ya no queda espacio para el susurro, para la sensualidad íntima. Siempre hay ruido.
Desde hace unos tres años, el diario británico The Guardian recoge semanalmente, en una sección que lleva por título «My best shot», las impresiones de fotógrafos con una sólida trayectoria profesional acerca de sus mejores fotografías. Una lectura muy recomendable.
Entre los autores entrevistados podemos encontrar a gente tan diversa como Rineke Dijkstra, Mary Ellen Mark, Yann Arthus-Bertrand, Sally Mann, Carl de Keyzer, Thomas Ruff, Joel Meyerowitz, Sebastião Salgado, Susan Meiselas, Roger Ballen, Nadav Kander, Platon, Simon Norfolk, Edward Burtynsky, Ed Ruscha, Steve McCurry, Elliott Erwitt, Albert Watson, Stephen Shore, Don McCullin, Gregory Crewdson o Alec Soth.
Ahora es vuestro turno. ¿Cuál es vuestra mejor fotografía?
Vía Conscientious, he descubierto un trabajo que parte de un planteamiento cercano al de la serie «Bedrooms of the Fallen» del fotógrafo Ashley Gilbertson, del que hablé en una entrada anterior. Se trata de «Immigrants», de la fotógrafa Judith Quax. Quax se ha dedicado los últimos años a fotografiar las habitaciones en las que vivían jóvenes senegaleses que un día decidieron dejar su país en busca de un futuro mejor en Europa arriesgando sus vidas haciéndose a la mar.
El pasado viernes hice una visita a la galería Tagomago para ver la exposición «De lo efímero y el cambio» de la fotógrafa Paula Ospina. La muestra recoge un conjunto de cincuenta fotografías donde la autora muestra su visión sobre lo efímero en paisajes cambiantes -tierras erosionadas, glaciares fundiéndose, o bosques que desaparecen- así como lo efímero entorno al hogar, concepto este último representado en su serie «Nómada».
En los últimos años, Ospina se ha dedicado a fotografiar las camas en las que ha dormido durante sus viajes por todo el mundo. Las imágenes de «Nómada» nos hablan del desarraigo y la pérdida de las raíces.
A partir del trabajo de Ospina he descubierto otros autores que han convertido la cama en el elemento articulador de algunas de sus obras.
La fotógrafa y diseñadora Rebeca Méndez está llevando a cabo un proyecto prácticamente idéntico al de Ospina. El trabajo, que lleva por título «Here Over There», comenzó en 2002 y todavía sigue en marcha. La intención de Méndez es hacer un inventario de camas para, dentro de unos años, identificar patrones de igualdad y diferencia.
A diferencia de Ospina y Méndez, el fotógrafo Joseph Gerhard aparta la mirada de sí mismo y nos muestra las camas en las que han dormido conocidos y extraños en su serie «Unmade Beds».
Partiendo de un planteamiento similar al de Gerhard, la fotógrafa Grace Kim nos muestra camas recién usadas de varios «love hotels» de la ciudad de Seúl, lugares conocidos por acoger encuentros amorosos furtivos, en su serie «Love Hotel».
A diferencia de todos los autores antes mencionados, el fotógrafo Ashley Gilbertson detiene su mirada en dormitorios perfectamente ordenados en los que parece que el tiempo se haya parado para siempre. En su conmovedora serie «Bedrooms of the Fallen», Gilbertson nos muestra las habitaciones de jóvenes soldados norteamericanos caídos en las guerras de Irak y Afganistán.
Siguiendo las recomendaciones de Benja, Albert y Joan Marc, ayer me apunté al taller «Proyectos fotográficos de autor» que imparte el fotógrafo Juan de Dios Pérez en el centro cívico Pati Llimona de Barcelona.
Éste será mi primer taller de fotografía después de años sin pisar un aula. Mis últimas experiencias no fueron del todo satisfactorias. A ver qué tal esta vez. A primera vista, el temario tiene buena pinta:
El taller transmitirá las nociones para orientar y producir un proyecto de autor que utilice la fotografía en la integridad o parte de su proceso creativo. El taller funcionará a modo de seminario crítico en el sentido que se irá tutorizando los proyectos de cada asistente, así como se hará partícipe a todos los asistentes para que hagan su análisis crítico de los trabajos de los demás.
En las sesiones previas a tener material fotográfico de los alumnos se harán visitas a exposiciones y se visionarán autores (con foro de debate). Los proyectos de fotografía de autor que se propongan para realizar en el taller pueden utilizar la fotografía en cualquiera de sus apreciaciones tanto formales como conceptuales.
Breve introducción: cómo pre-producir, orientar y realizar un proyecto de autor. Visionado de autores: Tracey Moffatt, Gosbert Gottmann (su trabajo «Modern Sufferings»), Mark Morrisroe y/o Arthur Tress.
Propuesta de proyecto personal. Diferentes apreciaciones artísticas de la fotografía (visionado de algunos autores): la documentalidad (Luc Delahaye y Nan Goldin), la fotografía construida (Jeff Wall), la representación humana en la fotografía (Sarah Moon y Robert Mapplethorpe), la fotografía instalada (Robert Häusser), la fotografía narrativa (Duane Michals). Visionado de trabajos anteriores (book) de los alumnos.
Continuación del visionado de trabajos anteriores (book) de los alumnos. Orientación para la pre-producción y realización de los proyectos.
Visita a una exposición fotográfica y posible debate.
Primer visionado de los proyectos de los asistentes al taller.
Cómo desarrollamos por escrito el proyecto (cómo lo explicamos) y cómo lo presentamos (soporte definitivo, tamaños, etc…). Cómo presentamos el book. Trabajo práctico en clase sobre el proyecto de cada uno.
Segundo visionado de los proyectos personales.
Visita a una exposición fotográfica y posible debate.
Tercer visionado y apreciaciones finales para los posibles acabados (book y exposición).
El taller empieza a mediados de abril y acaba en junio. A medida que avance el mismo iré compartiendo mis impresiones en este espacio.
El fotógrafo Manolo Laguillo comparte su experiencia como miembro de jurados de concursos de fotografía en un interesante artículo titulado «Para ganar un concurso» publicado en el catálogo de la 21ª edición del concurso fotográfico «Caminos de Hierro».
